TEATRO PRIMARIO · QUINCENAL​

Bienvenid@ a nuestro laboratorio. Te acompañamos a desvelar tu expresión más auténtica y libre.

ENFOQUE DIDÁCTICO DEL TEATRO PRIMARIO

El Teatro Primario es una metodología exclusiva de La Petricor Arts que combina: teatro terapia gestalt, teatro físico, respiración consciente, trabajo de la intimidad y de la energía sexual (tantra), teatro ritual, eneagrama, performance, anatomía del carácter y las corazas, teatro de las oprimidas, trabajo terapéutico de la imagen y trabajo del duelo y el renacer.

El Teatro Primario está basado en el trabajo de investigación realizado a lo largo de la última década por sus dos creadoras: Inma Rodríguez y Nydia Crespo.

Es una metodología que estudia los procedimientos de la actuación como un diàlogo entre tres direcciones fundamentales:

1. el uso de didácticas específicas que den apoyo, contención, control y guía a los cuerpos que se exponen al proceso vivo de la actuación
2. el acompañamiento personalizado y consciente que requiere cada cuerpo para crear con autonomía, libertad y autoridad, emancipado de todo cánon y desde la libre expresión del ser.
3. el cultivo de una educación que entiende el arte como indicador de bienestar y que responde a necesidades humanas básicas como la expresión y la comunicación. Hacemos teatro al servicio de las personas. Indagamos cuánta honestidad, presencia, vulnerabilidad y amor cabe en el encuentro.

Cada formación de Teatro primario es un proceso único que consta de tres  fases comunes: 

1. Tú contigo mismx: percepción y reconocimiento del cuerpo físico, emocional, mental y energético. Trabajo del vehículo expresivo: descubrimiento de la propia autenticidad, hallazgo de los talentos e identificación y disolución de bloqueos expresivos/comunicativos. 
2. Tú en relación a otrx: Estudio del vínculo como  flujo de información en constante movimiento, cuánto me puedo sensibilizar/flexibilizar al encuentro y cómo estar en el encuentro sin perderme a mí. Corporeizar la coherencia entre pensamiento, sentimiento, energía disponible y acción.
3. Tú en relación al trabajo creativo: Transformación de las herramientas personales y vinculares para la creación de personajes y escenas. Como parte de la metodología, el alumnado creador propone su propio material: voz, expresión, gesto, vestuario, escenografía, etc…

Recibirás clases de dos asignaturas:

TEATRO EUROPEO CONTEMPORÁNEO

En los años 60, el paradigma de la producción escénica pasó de ser vertical (dramaturgia y dirección a la cabeza) a ser horizontal (creación colectiva y cooperación entre todxs lxs que integran el espectáculo).

Este cambio modificó las dinámicas de creación y las tiñó para siempre de dos parámetros:

-la interdisciplinariedad artística 

-la eminencia corporal.

Entramos, por así decirlo, en la democracia de la escena: el/la artista se responsabiliza de la gestación del trabajo escénico y participa  en la elección de los temas que son meritorios de su investigación.  

Desde entonces toman relieve entrenamientos y géneros como: el teatro danza, la danza contemporánea, el teatro físico, el circo y (una vez más, históricamente) el mimo.

Además, por primera vez  se tiene en cuenta la recepción del público y se le plantea un tipo de trabajo que lo incluye en el cuadro final. 

ESTE TIPO DE TEATRO, CON UNA PERSPECTIVA 360º NOS APORTA LOS SIGUIENTES BENEFICIOS:

• Amplía nuestra percepción de la escena
• Habilita el concepto del elenco y la investigación en grupo
• Incrementa nuestra comprensión corporal al estudiar por separado  distintos elementos que intervienen en el movimiento (gesto interno y externo, respuesta kinestésica, relación espacial, tempo, etc…)
• Permite la composición escénica a partir del movimiento aplicado a temáticas o materiales preexistentes (imágenes, textos, etc…) 
• Entrena la “perspectiva público” o “estética de la contemplación”. Miramos la escena desde fuera, la significamos, y solo entonces, entramos a colaborar.
• Fomenta la presencia, la permeabilidad y la escucha → Los temas de investigación se deducen del vínculo y del “afuera” (no pensamos, no somos, ni generamos el tema. Simplemente estamos presentes y vemos lo que aparece en el territorio común).
• Añade perspectiva de “proceso” al entrenamiento: no hay lugares definitivos,  el trabajo es un lugar al que vamos llegando con profundidad, desde el movimiento.

OTROS CONCEPTOS CLAVE QUE INTEGRARÁS EN TU INTERPRETACIÓN SON:

–Erotismo: aprender a dejarte llevar por lo que activa tu interés, atracción, excitación o avidez por la vida.

–Vencer el miedo a expresar: actuar desde la sinceridad a pesar de la vulnerabilidad

–Expresión tónica: tomar elecciones concretas, arriesgarse y provocar tensión que transforme la escena

–Autenticidad: elegir la verdad expresiva antes que el estereotipo

–Resistencia: actitud constante y perseverancia que determina el éxito

TEATRO DE LA VIVENCIA

El Teatro de la Vivencia está orientado al crecimiento personal, ayudándote a actuar con imaginación y autenticidad tanto en el escenario como en tú propia vida.

Vivenciar y habitar los personajes internos en escena te facilita el reconocimiento de la máscara egoica, la imagen social que has generado de manera inconsciente y sobre la cual has creado la identidad con la que presentarte al mundo. El Teatro de la Vivencia es una invitación a salir de tus roles conocidos, a probar y experimentar qué se siente encarnando personajes que jamás hubieras imaginado.

Este proceso tiene un enfoque terapéutico Gestáltico, que te ayudará a:

• Vivir en el Aquí y el Ahora
• Responsabilizarte de tus acciones y emociones
• Darte cuenta de lo que te pasa y aprender a ser más consciente sobre  quién eres y qué necesitas y/o deseas en tu vida
• Ampliar la calidad de presencia y escucha
• Despertar la conciencia física y sensorial
• Desarrollar la imaginación y la creatividad
• Flexibilizar el carácter abordándolo desde la personalidad expresiva